Como se viu, agora você pode criar música não apenas em um programa DAW, mas também em alguns recursos on-line equipados com amostras e loops. É claro que isso não permitirá que você crie uma faixa completa e a trabalhe completamente, mas fazer anotações ou rascunhos (especialmente na estrada) é suficiente!

1. soundation.com

Sounding é um poderoso estúdio online com recursos profissionais (como gravação, instrumentos/sintetizadores virtuais, efeitos integrados e mais de 700 samples e loops gratuitos). Recursos básicos estão disponíveis gratuitamente, enquanto os mais avançados exigem a compra de uma assinatura mensal!

2.

Audiotool é um programa completo daw diretamente no seu navegador. Tudo é feito com muito amor aos detalhes. As faixas, samples e presets criados são armazenados nos servidores Audiotool e podem ser acessados ​​de qualquer navegador. Permite publicar (“compartilhar”) uma faixa diretamente no SoundCloud, Youtube ou Facebook.

3.

Um programa completo no seu navegador. Adapta-se tanto ao PC quanto ao tablet/telefone, você pode criar música junto com os amigos em tempo real pela Internet (há um chat interno superior das faixas criadas). Criação ilimitada de projetos + 780 samples e loops + 190 instrumentos virtuais grátis.

4.

O Looplabs é um estúdio colaborativo de música em nuvem que permite que qualquer pessoa, independentemente da habilidade ou habilidade técnica, crie música profissional de maneira rápida e fácil em qualquer lugar, a qualquer hora e com qualquer pessoa.

5.

Transforma seu navegador em um estúdio de produção musical rápido e flexível com sintetizadores integrados e efeitos ao vivo. Estes são os melhores em este momento plataformas de produção musical online. É difícil destacar as características de cada site, devido ao fato de que eles oferecem aproximadamente as mesmas funções e efeitos. Escolha o serviço mais conveniente para criar notas rápidas!

Atualização 2018:

A relevância dos serviços online está crescendo e o número de plataformas disponíveis está aumentando. Isso ainda não permite que você faça um trabalho de alta qualidade puramente no lado do recurso da Internet, mas para iniciantes, rascunhos e apenas “jogar”, eles serão suficientes! +6 sites para sua coleção!

6.

PatternSketch é uma bateria eletrônica online gratuita. O sequenciador e os kits de bateria oferecem a capacidade de criar faixas de ritmo inteiras. Compartilhe suas criações com amigos ou convide-os para colaborar diretamente da plataforma. O PatternSketch ainda permite exportar sua faixa para WAV, OGG ou MP3.

7.

Digite algo em Typatone e transformará cada letra em um belo som. Mude para a ferramenta para encontrar o que você mais gosta. O site tem muitas opções. Abra várias guias e crie uma melodia polifônica. Ou até mesmo transformar qualquer texto em música copiando-o para Typatone. Sinta-se à vontade para experimentar como seu nome soa! O Typatone é gratuito, mas exportar (salvar uma faixa do site) custa US$ 1.

8. Texto para fala

Text To Speech abre todo o novo Mundo amostras vocais para suas faixas. Digite o texto ou adicione uma faixa que você gravou. Em seguida, exporte o arquivo de áudio para MP3 gratuitamente.

Text To Speech é uma maneira incrível de fazer alguns vocais robóticos como os do Daft Punk. Adicione alguns efeitos e você terá uma distorção vocal irresistível.

9.

Online Sequencer é um sequenciador gratuito diretamente no seu navegador. Escolha entre 13 instrumentos e coloque-os em uma faixa para criar uma melodia. Se a inspiração surgir, esta é uma ótima maneira de fazer anotações ou esboçar uma música. A plataforma permite exportar sua criação como um arquivo MIDI. Este arquivo pode então ser colocado em seu programa DAW.

Eu vou te contar como é fácil pegar belas melodias para suas faixas. Como são criados os leads, sequências e riffs harmoniosos? Existem alguns segredos e truques que facilitam muito o processo de seleção de melodias para novas composições. Eles sempre funcionam, e é disso que estou falando no vídeo.

Assista a versão em vídeo desta lição

Quais são os tipos de melodias? Na maioria das vezes, em música eletrônica Existem vários tipos de transmissão melódica e eles têm seus próprios nomes. Vejamos alguns deles hoje.

Sequências. Seqüência.

Uma sequência é uma pequena melodia que se repete. Uma seção melódica em loop que se repete em diferentes acordes. Na maioria das vezes, as sequências podem ser tocadas em diferentes escalas, mas também podem repetir uma melodia tocando cada ciclo de repetições de um estágio.

Conduz. liderar.

Leads são uma categoria de timbres. O chumbo é um elemento melódico solo, derivado da palavra "líder". Geralmente monofônico, tocando o tema principal da peça. Na maioria das vezes, esta é a parte mais brilhante e memorável da melodia. Você pode imaginar o chumbo como a parte principal de toda a harmonia. Leads estão levando no contexto de outros elementos melódicos da faixa, composição. Também pode ser apresentado como cartão de visita de toda a composição, faixa. Faixas e composições famosas são facilmente adivinhadas a partir dele.

Riff. Riff.

Parte muito incendiária da faixa, composição. Na maioria das vezes, riffs são usados ​​em guitarras elétricas. Os riffs diferem dos leads em um som mais brilhante e rico. Os riffs são uma parte muito intensa da melodia que é difícil perder em uma faixa. Os riffs costumam ser ainda mais brilhantes no som do que os leads.

Almofada. Almofada.

De outra forma, é chamado de "lining" para música. Este é um acompanhamento melódico de fundo de uma faixa, composição, música. Como tal, o pad não é uma melodia direta, mas está diretamente envolvido na criação de harmonia para a faixa e, portanto, seu som afeta muito o efeito da percepção de leads, sequências e riffs. É um elemento harmônico, polifônico. Dá volume à composição. Mais frequentemente, os pads prescrevem uma progressão de acordes que define a harmonia principal.

Como você entende, todos esses elementos que definem a harmonia para suas faixas devem ser construídos com a maior precisão possível, "não atrapalhar", e até mesmo causar uma percepção agradável da harmonia dada. E se, digamos, você não tiver Educação musical, e você deseja combinar esses elementos da música da maneira mais eficaz possível? Você pode usar algoritmos e esquemas comprovados que facilitam muito o processo de seleção de melodias para suas faixas sem criar muita falsidade e desarmonia desnecessárias nelas.

Agora, confira a seguinte folha de dicas sobre como criar melodias harmônicas. A propósito, você pode baixá-lo clicando na imagem. Abaixo eu dou uma explicação de como usá-lo.

Clique na imagem e baixe a folha de dicas em Formato JPG vai começar.

Se você der 7 passos - 7 notas que compõem sua música (dó, ré, mi, fá, sol, la, si) - então eles sempre terão passos mais estáveis ​​e menos estáveis. Estável - estas são as notas que você sempre quer ouvir em uma melodia, usá-las em uma melodia sempre soa agradável, harmoniosa. E instável - eles nos causam sensações não muito agradáveis, e queremos ouvi-los menos. Em uma palavra, a proporção de notas estáveis ​​para notas instáveis ​​é diferente. Se criarmos uma melodia apenas a partir de etapas instáveis, será uma porcaria que você não a achará pequena! Mas se você criar uma melodia apenas a partir de passos estáveis, será um som muito harmonioso, que é bem ouvido, no entanto, talvez essa melodia não tenha "pimenta" suficiente. É por isso que faz sentido usar todas as notas-passos, mas em proporções diferentes, algo mais e algo menos.

Então, vamos descobrir quais notas e passos são estáveis ​​e quais não são. Se você olhar para a folha de dicas acima, você encontrará os três passos mais estáveis ​​lá - estes são 1, 3, 5 (eles estão marcados em verde). Se você fizer uma melodia na chave de C maior (C maj), então estas serão as notas "dó", "mi", "sol". No entanto, em outras teclas serão notas diferentes. Por exemplo, na chave de "G-maj" (G-maj), estas serão as notas "sol", "si", "re", pois para esta chave a nota "sol" será o primeiro passo. E na tonalidade de "fa# menor" (F#min), o primeiro passo será a nota "fa#", e consequentemente, as notas estáveis ​​aqui serão "fa#", "la", "do #". E no mesmo princípio com todas as outras tonalidades. Espero que isso seja resolvido.

Ir em frente. Encontramos os 3 passos-notas mais estáveis, eles devem ser os mais na melodia. Estes são os que você mais precisa prescrever em seus leads, riffs, sequências. No entanto, você não vai muito longe em três notas, a melodia soará chata. Portanto, para essas três notas, chamaremos duas notas-passos menos estáveis ​​- estas são 2 e 6. Na tonalidade de "C maior" - estas serão as notas "ré" e "lá" (indicadas em verde na folha de dicas). Temos 5 notas em nosso arsenal. A propósito, essas 5 notas levarão você bem longe. Mesmo se você escrever uma melodia usando apenas essas etapas, sua melodia já soará bonita, harmoniosa e construída com acordes por padrão.

Ainda temos mais 2 notas-passos instáveis ​​- estes são 4 ("fa") e 7 ("si") (indicados em vermelho). Eles também podem ser usados ​​em uma melodia, mas tão poucos para não estragar nossa melodia.

Idealmente, a proporção de todos os passos de notas em uma melodia que você escreve deve ser a seguinte: mais de 50% de todas as notas na melodia devem ser passos estáveis, e pelo princípio residual todas as outras notas-passos. Só então sua melodia será construída lindamente, não atrapalhará e evocará emoções agradáveis.

Agora vou falar sobre uma coisa muito jeito fácil criar uma melodia harmoniosa e bastante bonita em 5-10 minutos. Tente usar a escala pentatônica. O fato é que a “escala pentatônica” consiste justamente naqueles passos de notas que são os mais estáveis. A própria escala pentatônica significa literalmente "cinco tons". Isso significa que você precisa tocar não 7 notas, como estamos acostumados, mas apenas cinco. E essas notas serão 1, 2, 3, 5, 6 passos - os passos mais estáveis ​​e harmoniosos.

A escala pentatônica é usada ativamente na música eletrônica moderna. Embora ela tenha vindo até nós desde a antiguidade. A escala pentatônica sempre pode ser ouvida na música chinesa, japonesa e também na música tártara, bashkir e chuvash. Algumas canções e melodias folclóricas desses povos ainda utilizam a escala pentatônica como principal modo de criação de obras musicais.

Agora tente o seguinte. Crie uma progressão de acordes a partir desta folha de dicas. Depois disso, coloque uma melodia principal nele de acordo com o seguinte esquema: escreva (toque) quaisquer teclas brancas em seu instrumento em ordem aleatória (ou seja, aleatoriamente), mas não use os passos 4 e 7. Aqueles. não escreva as notas "fa" e "si" na melodia. Espalhe todas as outras notas como quiser. Se a progressão de acordes for de 4 acordes, repita sua melodia nos dois últimos acordes. Você deve obter o seguinte, os dois primeiros acordes são tocados pela sua melodia gravada e nos dois últimos acordes é repetido um a um. E ouça o que aconteceu. A melodia será construída com seus acordes, pois é escrita em escala pentatônica. Nele, você pode iniciar a melodia em qualquer nota do traste (de qualquer um dos cinco passos) e terminar em qualquer uma das cinco notas.

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Neste artigo, veremos alguns aspectos importantes sobre a composição das melodias e os elementos que a compõem.

O que é uma melodia?

Todo mundo define uma melodia com base em suas opiniões sobre a música em geral. Alguém entende uma melodia como qualquer linha monofônica (o que teoricamente é verdade), alguém significa algo brilhante, memorável por uma melodia, e alguém apenas uma linha vocal.
Cada compositor deve formar uma estratégia para trabalhar em uma melodia, com base em suas prioridades, mas uma qualidade sem dúvida importante é a capacidade de compor melodias cativantes ou, se você pode chamá-las assim (se falamos de música não acadêmica).

Qualquer melodia bem escrita contém muitos elementos inter-relacionados, cada um dos quais determina o nível de sua emotividade e simplicidade ou complexidade. Para criar imagens leves não há necessidade de usar elementos complexos, assim como ao escrever uma sinfonia é absurdo usar melodias simples (a menos que isso ajude a expressar a intenção).
O compositor, pianista, maestro e professor de música italiano F. Busoni deu uma definição muito boa de melodia, o que ajuda a entender em que elementos consiste uma melodia.

“Uma série de intervalos repetitivos ascendentes e descendentes, segmentados e acionados por um ritmo que contém e transmite humor, que pode ser independente das palavras do texto como expressividade e independente das vozes acompanhantes como forma, não mudar sua essência a partir da escolha do tom absoluto e da ferramenta"

Não é por acaso que a semelhança de forma e melodia é destacada.

Uma boa melodia é sempre perfeita na forma. Portanto, o primeiro elemento importante deve ser chamado de sintaxe musical. Ele é seguido pelo Busoni perdido, mas um componente muito importante -.

Pode-se dizer que, abstratamente, a melodia já existe na presença apenas desses dois elementos.

No entanto, torna-se completo apenas com o design rítmico adequado.

A mesma entonação, mas sob diferentes condições métricas, é capaz de expressar imagens opostas.

O dom melódico sempre foi muito valorizado e ainda é um indicador de talento. No entanto, muitos não entendem corretamente a própria essência do dom melódico.

Criar uma melodia significa ser capaz de criar a construção musical necessária a partir de um grão de entonação musical. Erro comum compositores iniciantes (e já que muitos momentos dessas artes estão interligados) emaranhado de melodias e entonações musicais. Como resultado, o ouvinte não consegue se prender a nenhum deles e perde a essência nessa bagunça excessivamente oleada.

Se compararmos compositores de diferentes épocas, podemos chegar a uma conclusão paradoxal à primeira vista - as entonações usadas há 200 anos e hoje são as mesmas. Este fato nos diz que não são as entonações em si que mudam, mas as formas de desenvolvimento, desenvolvimento. A entonação da segunda grande tem milhões de variações nas obras de vários compositores.

Dois excertos da obra de compositores completamente diferentes. O grão de cada tema é a entonação de uma segunda maior descendente:

McCartney ontem

Rodrigo aranjuez parte 2

Os métodos de desenvolvimento e modelagem são completamente diferentes aqui - daí a melodias diferentes, estilo e tudo mais.

Além disso, esses dois exemplos são uma manifestação vívida de dois tipos de princípios melódicos - vocais e instrumentais.

A linha vocal, via de regra, é muito melódica e depende. A melodia vocal é inseparável da palavra e está intimamente ligada a ela.

Muitos compositores tentam, se não transmitir com precisão, pelo menos preservar o ritmo da poesia (a música emprestou muitos elementos rítmicos da poesia). As melodias vocais em geral não são caracterizadas por grandes saltos, complexidade de forma e desenvolvimento.

O próprio tipo de melodia vocal, por sua vez, permite destacar mais dois tipos de desenvolvimento melódico (ou a natureza da melodia):

1. Cantilena

Cantilena são as melodias da respiração ampla. Eles são caracterizados por melodiousness e melodia. Um exemplo de uma cantilena moderna:

2. Recitativo

As melodias recitativas são construídas na repetição frequente de uma nota e, via de regra, têm um alcance estreito.

Na música, você pode encontrar construções inteiras compostas por duas ou três notas. Um exemplo clássico de ritmo recitativo do jazz é o One Note Samba. Exemplo recitativo do Black Sabbath (canção paranóica):

Além desses fatores, o início do gênero da melodia ainda desempenha um papel importante.

Elementos como marcha, dança, composição influenciam muito o estilo e a estrutura figurativa da melodia. Cada um desses gêneros é realizado de forma diferente na obra do compositor, em algum lugar explicitamente, e em algum lugar apenas na forma de uma sugestão.

Nesse caminho, um fator importante o que deve ser levado em consideração ao criar uma melodia é seu tipo (cantilena, recitativo) e gênero.

Portanto, o melhor exercício para um compositor é criar melodias tipos diferentes e gêneros sem quaisquer outras restrições (que serão impostas ao longo do tempo).

DENTRO mundo moderno com rápido desenvolvimento tecnologia de computador e uma sociedade que acompanha todos os novos produtos, surge muitas vezes a questão, como escrever música em um computador? Na maioria das vezes, indivíduos criativos, tanto músicos profissionais quanto aqueles que dominaram a alfabetização musical de forma independente, escolhem um computador como ferramenta para criar suas obras-primas musicais.

É realmente possível escrever música de alta qualidade em um computador, graças a um grande número de vários programas criados especificamente para esse fim. Abaixo estão os principais passos para criar composições em um PC usando programas especiais, é claro, eles devem ser capazes de usar pelo menos em nível de entrada.

Estágio um. Ideia e esboços da futura composição

Nesta fase, o trabalho mais criativo é realizado sem restrições. Do zero, a base da composição é criada - a melodia, precisa receber profundidade e beleza do som. Depois que a versão final da melodia é determinada, o trabalho deve ser feito. No futuro, toda a estrutura da obra será baseada no trabalho realizado na primeira etapa.

Estágio dois. "Vestindo" a melodia

Depois que a melodia e o acompanhamento estiverem prontos, você deve adicionar instrumentos à composição, ou seja, preenchê-la com cores para realçar o tema principal. É necessário escrever melodias para baixo, instrumentos de teclado, registrar uma parte de percussão. Em seguida, você deve escolher o som para as melodias escritas, ou seja, experimentar vários instrumentos, você pode trabalhar em diferentes tempos. Quando o som de todos os instrumentos prescritos soar harmoniosamente e enfatizar o tema principal, você pode passar para a mixagem.

Estágio três. Mistura

A mixagem é a imposição de todas as partes prescritas para os instrumentos umas sobre as outras, misturando seus sons de acordo com a sincronização do tempo de execução. A percepção da composição depende da correta mixagem dos instrumentos. Um ponto importante nesta fase estão os níveis de volume para cada parte. O som do instrumento deve ser distinguível na composição geral, mas ao mesmo tempo não abafa outros instrumentos. Você também pode adicionar efeitos sonoros especiais. Mas você precisa trabalhar com eles com muito cuidado, o principal é não exagerar, caso contrário você pode estragar tudo.

Etapa quatro. domínio

A quarta etapa, que também é a última na questão de como escrever música no computador, é a masterização, ou seja, preparar e transferir a composição gravada para qualquer meio. Nesta fase, deve-se atentar para a saturação para que nada afete o geral. Nenhuma das ferramentas deve se destacar das demais, se algo semelhante for encontrado, você deve retornar ao terceiro estágio e refiná-lo. Também é necessário ouvir a composição em diferentes acústicas. A gravação deve ter aproximadamente a mesma qualidade.

Não importa qual programa você usará para criar música em seu computador, pois existem muitos deles. Por exemplo, o programa de criação musical profissional FL Studio, líder em popularidade entre os músicos. Cubase SX também é um estúdio virtual muito poderoso, reconhecido por muitos DJs e músicos famosos. No mesmo nível dos estúdios de gravação virtual listados estão o Sonar X1 e o Propellerhead Reason, que também são estúdios profissionais para gravação, edição e mixagem de composições. O programa deve ser escolhido de acordo com as necessidades e capacidades individuais do músico. Em última análise, obras populares e de alta qualidade são criadas não por programas, mas por pessoas.

Vamos ouvir um exemplo de música criada com programas de computador:

Se você sente vontade de criar música, mas não sente vontade ou capacidade de adquirir um monte de instrumentos musicais, pode fazer tudo isso em um dos programas especializados que são chamados coletivamente de DAW - Digital Audio Workstation. Um brilhante representante deste segmento de software em todos os sentidos é o FL Studio, e é no seu exemplo que vamos contar e mostrar hoje como criar música em um computador.

O FL Studio é um dos os melhores programas para criar música e arranjos, sua mixagem e masterização. Ele é usado por muitos compositores e músicos em estúdios de gravação profissionais, e nós o usaremos para mostrar como criar sua própria composição musical do zero em qualquer gênero.

Observação: A instrução apresentada a seguir não pretende de forma alguma ser universal, nem quanto à ordem das etapas, nem quanto às ações realizadas em cada uma delas. Esta é apenas uma das muitas representações possíveis de como a música pode ser criada, necessária para mostrar o algoritmo geral e voltada para iniciantes que já começaram a dominar o programa.

Antes de prosseguir com a implementação das recomendações abaixo, sugerimos que você se familiarize com o artigo apresentado no link abaixo - isso o ajudará a “se sentir confortável” e entender com mais detalhes as funções e capacidades do FL Studio.

Passo 1: Escrevendo a parte da bateria

Cada compositor tem sua própria abordagem para escrever música. Alguém começa com a melodia principal, alguém com bateria e percussão, primeiro criando um padrão rítmico, que depois vai crescendo e se enchendo de instrumentos musicais. Vamos começar com bateria.

A criação de composições musicais no FL Studio ocorre em etapas, e o fluxo de trabalho principal ocorre em padrões - fragmentos, que são então montados em uma faixa completa, localizada em uma lista de reprodução.

As amostras one-shot necessárias para criar uma parte de bateria estão contidas na biblioteca do FL Studio, e você pode selecionar as apropriadas através do navegador conveniente do programa.

Cada instrumento deve ser colocado em uma trilha separada do padrão, mas pode haver um número ilimitado de trilhas. A duração do padrão também é ilimitada, mas 8 ou 16 compassos serão mais que suficientes, pois qualquer fragmento pode ser duplicado na lista de reprodução.

Aqui está um exemplo de como uma parte de bateria pode parecer no FL Studio, colocada a partir de um padrão em um Piano Roll:

Passo 2: Crie uma melodia

Neste conjunto posto de trabalho acessível um grande número de instrumentos musicais. A maioria deles são vários sintetizadores, cada um com uma grande biblioteca de sons e amostras. Essas ferramentas também podem ser acessadas a partir do navegador do programa. Tendo escolhido o plugin apropriado, você precisa adicioná-lo ao padrão.

A melodia em si deve ser gravada no Piano Roll, que pode ser aberto clicando com o botão direito do mouse na trilha do instrumento.

É altamente desejável gravar a parte de cada instrumento musical, seja, por exemplo, uma guitarra, piano, bumbo ou percussão, em um padrão separado. Isso simplificará muito o processo de misturar a composição e os instrumentos de processamento com efeitos.

Aqui está um exemplo de como uma melodia escrita no FL Studio pode se parecer:

O quanto usar instrumentos musicais para criar sua composição depende de você e, claro, do gênero que você escolheu. No mínimo, deve haver bateria, uma linha de baixo, uma melodia principal e algum outro elemento ou som adicional para variar.

Etapa 3: trabalhar com a lista de reprodução

Os fragmentos de música que você criou, divididos em padrões individuais do FL Studio, devem ser colocados em uma lista de reprodução. Siga o mesmo princípio dos padrões, ou seja, um instrumento - uma faixa. Assim, acrescentando constantemente novos fragmentos ou removendo algumas partes, você vai juntar a composição, tornando-a diversa, não monótona.

Aqui está um exemplo de como uma música padronizada pode ficar em uma lista de reprodução:

Etapa 4: Processando o som com efeitos

Cada som ou melodia deve ser enviado para um canal separado do mixer FL Studio, onde pode ser processado com vários efeitos, incluindo equalizador, compressor, filtro, limitador, reverb e muito mais.

Assim, você fornecerá fragmentos individuais de som de estúdio de alta qualidade. Além de processar os efeitos separadamente para cada instrumento, você também precisa garantir que cada um deles soe em sua própria faixa de frequência, não se destaque da imagem geral, mas não abafe / reduza o outro instrumento. Se você tem um ouvido (e definitivamente o tem, já que decidiu fazer música), não deve haver problemas. De qualquer forma, existem muitos manuais de texto detalhados, bem como tutoriais em vídeo de treinamento sobre como trabalhar com o FL Studio, na Internet.

Além disso, é possível adicionar um efeito geral ou efeitos que melhoram a qualidade do som da composição como um todo ao canal principal. Esses efeitos serão aplicados a toda a composição como um todo. Aqui você precisa ser extremamente cuidadoso e atento para não afetar negativamente o que você fez com cada som/canal separadamente.

Etapa 5: automação

Além de processar sons e melodias com efeitos, cuja principal tarefa é melhorar a qualidade do som e reduzir a imagem musical geral em uma única obra-prima, esses mesmos efeitos podem ser automatizados. O que isto significa? Imagine que em algum ponto da composição você quer que um dos instrumentos comece a tocar um pouco mais quieto, “sair” para outro canal (esquerdo ou direito) ou tocar com algum tipo de efeito, e então começar a tocar novamente em sua forma “limpa”. Formato. Assim, ao invés de mais uma vez registrar este instrumento em um padrão, enviá-lo para outro canal, processá-lo com outros efeitos, você pode simplesmente automatizar o botão responsável por este efeito e fazer o fragmento musical se comportar assim em uma determinada seção do a pista: conforme necessário.

Para adicionar um clipe de automação, clique com o botão direito do mouse no controlador desejado e selecione no menu que aparece "Criar clipe de automação".

O clipe de automação também aparece na lista de reprodução e se estende por toda a extensão da ferramenta selecionada em relação à faixa. Ao controlar a linha, você definirá parâmetros necessários para um botão de controle que mudará sua posição durante a reprodução da faixa.

Aqui está um exemplo de como pode ser a automação de fadeout de piano do FL Studio:

Da mesma forma, você pode definir a automação para a faixa inteira como um todo. Você pode fazer isso no canal mestre do mixer.

Um exemplo de automatização do desbotamento suave de toda a composição:

Passo 6: Mixagem e Masterização

Passo 7: Exportando a música

Após criar sua criação musical, não esqueça de salvar o projeto. Para obter uma faixa de música para uso posterior ou audição fora do FL Studio, ela deve ser exportada para o formato desejado. Você pode fazer isso através do menu. Arquivo programas.

Selecione o formato desejado, especifique a qualidade e clique no botão Começar.

Além de exportar uma composição musical inteira, o FL Studio também permite exportar cada faixa separadamente (você deve primeiro distribuir todos os instrumentos e sons para os canais do mixer). Nesse caso, cada instrumento musical será salvo como uma faixa separada (arquivo de áudio separado). Isso é necessário nos casos em que você deseja transferir sua composição para alguém para trabalhos posteriores (a mesma mixagem e masterização, por exemplo). Este pode ser um produtor ou engenheiro de som que trará à mente ou de alguma forma mudará a faixa. Neste caso, esta pessoa terá acesso a todos os componentes da composição. Usando todos esses fragmentos, ele poderá criar uma música simplesmente adicionando uma parte vocal à composição finalizada.