Consiste em uma "tela" - uma superfície de toque e uma "caneta" - uma caneta. Este dispositivo permite ao artista simular um desenho no papel. A imagem desenhada com a caneta na superfície do tablet é exibida imediatamente no computador. Cópias mais caras parecem permitir que você veja a imagem imediatamente no próprio tablet. Mas com este gadget nem tudo é tão simples. Usá-lo não é a mesma coisa que desenhar no papel. Como aprender a desenhar com números - descrito no artigo.

Como aprender a desenhar em uma mesa digitalizadora: dicas básicas

Retratar paisagens, retratos, animes, quadrinhos e qualquer coisa, em um digitalizador (por exemplo) é muito mais rápido e mais conveniente do que em papel comum ou usando o mouse de um computador. Principalmente no primeiro caso, a velocidade ajuda, principalmente se o gadget for usado para o trabalho.

Como começo a pintar com uma mesa digitalizadora? Aqui estão as três dicas principais:

1. Aprenda a desenhar tradicionalmente primeiro. Se você não sabe desenhar no papel, mesmo um gadget "chique" não o ajudará a desenhar lindamente. Quanto mais habilmente as imagens forem obtidas no papel, mais fácil será no digital.
2. Exercite regularmente. Você pode assistir a vários vídeos de treinamento na rede sobre como desenhar corretamente em um tablet gráfico. O mais difícil é se acostumar com o fato de que o desenho é aplicado com pinceladas, e não arrastando a mão sobre a superfície do dispositivo. Para começar, vale a pena praticar na imagem de formas simples (triângulo, quadrado, etc.), hachurando-as, escrevendo o alfabeto, depois você pode imprimir as figuras em papel, colocar em um tablet e desenhar contornos. A mão deve se acostumar com a pressão da caneta stylus.
3. Escolha o programa de desenho que você gosta. Um programa conveniente e compreensível é um dos principais elementos do desenho. Para designs gráficos complexos, o Adobe Photoshop é ideal. Mas você pode usar um software mais leve e simples: GIMP, Paint Tool SAI ou outro utilitário. O programa deve ser testado para conveniência primeiro em um computador, clique na interface com o mouse para descobrir todos os recursos do software.

Não pule direto para tecnologias complexas e aprenda a desenhar anime ou quadrinhos em um tablet gráfico. Tudo isso requer habilidade e prática. Aqui você precisa seguir o princípio "do simples ao complexo".

Como configurar seu tablet para desenhar em seu computador

É improvável que iniciantes consigam conectar um novo dispositivo e começar a desenhá-lo imediatamente: primeiro, eles precisarão personalizá-lo para si próprios. Por onde começar a desenhar em uma mesa digitalizadora (como)? É claro o que conectar o gadget a um computador, laptop. Isso é feito usando o cabo USB padrão fornecido. O que fazer a seguir - consideraremos em detalhes os pontos.

Instruções passo a passo

Portanto, as etapas de configuração:

Instalando Drivers	Você pode instalar os drivers usando o disco incluído. Se não estiver lá, você precisa ir ao site oficial do fabricante e baixar o software necessário (seção "Suporte" - "Drivers"), executar o instalador e, seguindo instruções simples, instalar os drivers.
Para outras configurações, você precisa executar o programa correspondente no computador. Para gráficos, é o Tablet Wacom (em um computador: Menu - Iniciar - Programas).
Configuração de orientação	Por padrão, as configurações são destras, mas você pode alterar a orientação do controle do digitalizador para usuários canhotos.
Personalização de caneta	Nesta seção, você pode alterar a pressão da borracha e a sensibilidade da caneta movendo o controle deslizante de “suave” para “forte”. Aqui você também pode alterar o modo de operação do mouse para a caneta, se não estiver definido como padrão.
Configuração de toque	Nesta guia, você pode ajustar as configurações da superfície de toque: sua sensibilidade ao toque, velocidade de rolagem e ponteiro (mais lento / rápido).
Funções sensoriais	Este item contém configurações para interação ao tocar a superfície. Por exemplo, um dedo está se arrastando; três dedos - deslize para a direita / esquerda.

As configurações devem ser adaptadas às suas preferências, alterando os indicadores até que se tornem o mais convenientes possível para o trabalho.

Erros comuns ao desenhar

Desenhar através de um tablet gráfico como um modelo é bastante incomum e difícil no início. Iniciantes podem, por exemplo, escolher o tamanho de tela errado ou usar os pincéis errados. Para não cometer erros comuns, vale a pena estudar as seções seguintes do artigo.

Tamanho de tela errado

Pode haver 2 problemas aqui:

1. Folha muito pequena... O aspirante a artista geralmente usa o tamanho do papel para corresponder à resolução de sua tela. Isso é fundamentalmente errado. É impossível saber exatamente em qual monitor os outros usuários assistirão posteriormente a imagem criada. Portanto, você não deve "salvar" na resolução, quanto maior ela for - quanto mais pixels na imagem e melhor será a resolução final.
2. Uma folha muito grande. Para obter a resolução máxima, você precisará de um PC potente, que terá um programa igualmente potente para o processamento de fotos. Também deve ser lembrado que a alta resolução é melhor para fotos detalhadas. Desenhos em uma mesa digitalizadora (por exemplo, ligada) nem sempre são necessários assim.

Existe uma solução para esses problemas? Antes de salvar a imagem, você precisa redimensioná-la. Não existe uma configuração de resolução ideal que se adapte a absolutamente todas as pessoas. Mas há uma regra geral: quanto mais detalhado for o resultado, menor será a chance de ele ficar difuso e borrado na resolução máxima. Mas se, de acordo com a ideia, a imagem estiver um pouco incompleta, então é melhor usar uma resolução pequena.

Evitando contraste forte

Acontece que a percepção das sombras fica prejudicada devido à própria qualidade da tela. Então, como você consegue o contraste que deseja que fique igual em todas as telas? O Photoshop tem uma ferramenta de Níveis dedicada que mostra quanto de cada tom é usado na imagem. Você pode alterar os níveis movendo os controles deslizantes.

O nível de contraste depende, é claro, da própria imagem, mas se não houver zonas claras e escuras na imagem, a imagem não ficará muito boa.

Antes de desenhar, você precisa planejar a iluminação na esfera:

• desenhe um círculo e sombreie-o com uma sombra escura (não preta);
• adicione um tom médio, depois o mais claro (não branco);
• adicione 1-2 semitons;
• adicione uma pequena quantidade de preto e branco;
• em seguida, conecte tudo e suavize as transições.

Você pode usar este espaço em branco para sombrear outros objetos. Você também precisa agir sobre o resto das fotos: o tom mais escuro, semitom, mais claro, semitom, tons de branco e preto.

Muitos pincéis complexos e grandes traços

Artistas profissionais executam a maior parte do trabalho com traços simples, apenas ocasionalmente usando traços complexos. Ao desenhar em um digitalizador, parece que a seleção de pincéis é bastante simplificada: existem pincéis, por exemplo, para criar pelo ou um pincel. Não há necessidade de praticar o desenho, já existe uma solução pronta.

Pincéis para vários designs são convenientes. O problema surge se você usá-los como habilidades essenciais. Ou seja, não procure maneiras de desenhar pelos de maneira bonita e precisa, mas apenas pegue o pincel certo e pinte. Se isso se tornar um hábito, o usuário irá parar de aprender completamente. Para começar, você deve usar pincéis simples, aprimorar suas habilidades de desenho - e só então passar para os mais complexos.

Outro problema com os pincéis é o uso de pinceladas muito grandes. Quando a imagem está quase completa, deseja-se obter o resultado final o mais rápido possível. E é aqui que o usuário recorre a grandes golpes. Mas não está certo. Traços grandes só devem ser usados ​​no início para esboçar a forma, adicionar cores, etc. Desenhe os detalhes e finalize o esboço com um pequeno pincel. Isso ajudará a criar imagens muito realistas e precisas.

Muita cor

Artistas novatos podem pintar em tons que não combinam, como misturar azul e verde. A variedade de sombras em programas instalados em uma mesa digitalizadora (por exemplo) é um grande campo para a criatividade. O problema é que os usuários precisam entender de onde vêm todos esses tons.

Se você precisar tornar o tom mais claro, você precisa aumentar a porcentagem de brilho ou diminuir o mesmo indicador de tom. A cor vermelha torna-se quente ou fria, dependendo da tonalidade que está localizada ao lado dela.

Artistas novatos que não sabem disso apenas preenchem a imagem com um conjunto aleatório de tons, sem pensar em sua combinação. É imperativo que você descubra os problemas de sombreamento, iluminação e mistura de tons, essa é a única maneira de obter um bom desenho.

Texturas 2D para formas 3D

Se o trabalho tiver que ser tridimensional, não poderá ser coberto de maneira bonita e eficiente com uma textura 2D. É necessário alterar sua forma de acordo com o objeto no qual será aplicado.

Existem 3 ferramentas no Photoshop para isso:

• Transformação livre em modo de deformação;
• Filtro - Plástico;
• Edição - Puppet Warp.

Textura - a aspereza da superfície: se a superfície for irregular, a luz que incide sobre ela cria muitas sombras. Essa é a textura. Vale a pena reduzir ou até remover completamente a textura nas áreas escuras do objeto. Não é suficiente impor uma textura - você ainda precisa processá-la corretamente na imagem.

Há cinco anos, quero aprender a desenhar em um tablet. Em janeiro, houve a decisão de finalmente começar a se mover nessa direção. Nesta coluna do autor permanente, compartilharei minha experiência de masterização, livros úteis, dicas e recursos.

Quando você entra em um novo campo, muitas perguntas surgem em sua cabeça. Na verdade, eles, às vezes até inconscientes, não são formados verbalmente e não podem sonhar. E o primeiro passo é escrever todas as perguntas. A segunda é buscar metodicamente as respostas para elas e compreender passo a passo uma nova habilidade.

Então, em qual programa desenhar? Qual caneta? Com que frequência? Onde você pode ler sobre isso?

Observei atentamente a caneta por um longo tempo. Eu tenho bambu, 53 papel. Mas o mais conveniente era o lápis de maçã. Tem uma ponta fina, é agradável de segurar na mão e elegante. E é a combinação perfeita para um tablet - ipad profissional. A espessura e a saturação da linha reagem à força com que o lápis é pressionado na tela. Aqueles. tudo é igual a um instrumento normal. Por exemplo, você pressiona o lápis com mais força, a linha se torna mais espessa e brilhante. Da mesma forma com o lápis de maçã. Ou você começa a pressionar o pincel com mais força - a linha fica mais espessa, assim como com a caneta de lápis de maçã.

E aqui podemos dizer algumas palavras sobre as vantagens de desenhar em um tablet, em oposição às ferramentas tradicionais:

• A oficina de arte está sempre com você. Não há necessidade de carregar uma mala de ferramentas, tintas, marcadores e telas.
• Todos os livros de desenho estão ali no tablet.
• Se a pincelada de aquarelas não der certo ou a cor não der certo, você pode removê-la pressionando levemente o botão.
• Roupas e mãos limpas.
• Não espere que a tinta seque.
• Quando você apaga uma linha que faltava, o papel não se deteriora, tudo apenas retorna à sua forma original.
• Economiza papel, economiza árvores.

Existem também algumas desvantagens óbvias:

• Se um lápis ou tablet pousar e não houver nenhuma tomada por perto, pronto, termine de desenhar.
• Nunca faça manchas de aquarela tão extravagantes em um tablet quanto no papel.

Vamos deixar a magia das aquarelas caprichosas para trabalhar no papel, mas por enquanto vamos voltar ao desenho digital.

Decidi pelo programa com bastante rapidez, concentrando-me nas recomendações do iTunes e nas avaliações de programas de desenho na Internet. A escolha recaiu sobre os esboços Tayasui. Ele contém todas as ferramentas de que você precisa para começar. Gostei especialmente do pincel de aquarela e da capacidade de borrar. No início, o programa parecia complicado. Mas isso sempre acontece até você começar a entender e tentar.

No início, você fica assustado com a abundância de ferramentas e, então, começa a sentir falta delas.

O programa possui um painel prático, uma escolha de cores, uma galeria constantemente atualizada de obras de todo o mundo. Bem, os desenvolvedores estão vivos, eles constantemente bagunçam algo no programa. É assim que a tela se parece. E exemplos de inscrições feitas com diferentes ferramentas.

Sobre ferramentas. Seria bom entender o que cada ferramenta do programa pode fazer. Usei cinco folhas para isso, experimentando com intensidade, tamanho, diferentes camadas e ferramentas.

O lápis é uma imitação impressionante, indistinguível de um lápis normal.

O programa também inclui caneta de gel, caneta hidrográfica, pincel, lápis, pincel acrílico, pincel para aquarela, aerógrafo.

Um exercício simples é desenhar muitas variações de um objeto. A ferramenta é uma caneta.

O mais difícil, como na vida, acabou sendo a aquarela. Às vezes, dá efeitos completamente inesperados ao misturar, sobrepor camadas e borrões.

Com a prática, você pode fazer desenhos elegantes com transições suaves.

By the way, no programa você pode alterar a tela - papel granulado aquarela, folha de paisagem comum, tela, papel colorido. E você também pode experimentar isso.

3. “Oficina de arte. Gráficos"

Existe um pequeno fundo para desenhar no papel, graças ao projeto. Com certeza participarei do projeto100dayproject, no dia 4 de abril será lançado por El Luna, autora do nosso livro "Between Needs and I Want". Eu pretendo desenhar no meu tablet todos os dias.

Não encontrei livros sobre fotografia digital em um tablet em russo. Desenhar sem um tutorial é como aprender a dirigir sozinho. É possível, mas difícil. Comprei uma revista sobre esse assunto em Nova York, contarei na próxima edição. A propósito, mais uma das vantagens - você pode desenhar no avião, a tela é brilhante e um milhão de lápis de cor estão à mão.

Cartão postal tirado em um vôo de Nova York a Moscou.

Os seguintes objetivos:

• aprender letras digitais.
• continue dominando todas as ferramentas dos esboços Tayasui.
• desenhar baleias, gatos e espaço.
• trabalhe muitos desenhos na técnica de notas visuais.
• usar camadas mais ativamente, é muito conveniente.

Junte-se se você estiver interessado neste tópico. Resenhas e comentários podem ser escritos para mim por e-mail - [email protegido]

Desenhar em um tablet pode ser desafiador às vezes. Você tem os programas necessários, e isso é tudo, você pode começar a desenhar. Todas as ferramentas, mesmo as mais poderosas, estão ao seu alcance. Todas as cores estão prontas para uso, sem necessidade de mistura. Se você acabou de mudar da pintura tradicional para o Photoshop, isso não é muito difícil; você só precisa encontrar cópias de seus instrumentos favoritos. Porém, se você é novo nos dois tipos de desenho, a primeira fase se transforma em um pesadelo em que você não percebe que se trata de um sonho!

O truque do Photoshop está em sua simplicidade óbvia: aqui está um conjunto de pincéis, aqui está todas as cores, aqui está uma borracha e aqui está o comando Desfazer. Você começa a desenhar e o resultado não parece muito bom e começa a vasculhar as ferramentas para tentar consertá-lo. E veja quantas dessas ferramentas existem! Você experimenta todos, um por um, e a mágica acontece.

No entanto, "mágica" significa que você deixa o Photoshop pintar para você. Você não tem controle sobre isso, mas o resultado parece melhor do que você, um iniciante, poderia (pelo menos você pensa assim). Então você deixa as coisas irem, cria um monte de desenhos na esperança de que um dia eles se transformem em obras de arte.

Artistas profissionais de tablets usam o Photoshop para realizar suas fantasias, mas eles o veem apenas como uma ferramenta, não como uma máquina de produção. Qual é a diferença?

• Os profissionais imaginam o efeito e forçam o programa a recriá-lo
• Os novatos forçam o programa a criar algo, e se ficarem satisfeitos com o resultado, deixam o efeito.

O segundo não te lembra de nada? Se sim, continue lendo. Neste artigo, vou mostrar como melhorar dez aspectos do seu fluxo de trabalho para se tornar um artista consciente do Photoshop. Com essas dez dicas simples, você entenderá os erros que podem estar impedindo você há muito tempo!

Observe que os problemas que descrevi referem-se a situações em que o artista consegue um efeito sem saber, tentando alcançar um estilo realista. Se algo foi planejado, isso não é um erro!

1. Tamanho de tela errado

Começar um novo emprego é mais fácil do que tirar um doce de uma criança. Você pressiona Arquivo> Novo(Arquivo> Novo) ou Control-N se você estiver mais ou menos confortável com o Photoshop. Parece que tudo é tão simples que às vezes as pessoas não percebem erros nesta fase.

E aqui estão três aspectos desse problema.

1. O tamanho da tela é muito pequeno

Assim como os objetos são feitos de átomos, cada desenho no Photoshop é feito de pixels. Você provavelmente sabe disso. Mas de quantos pixels você precisa para criar um desenho detalhado? 200 a 200? 400 a 1000? 9999 a 9999?

Um erro comum do iniciante é escolher um tamanho de tela que corresponda à sua resolução de tela. O problema é que você nunca sabe qual permissão o revisor usará!

Vamos imaginar que em sua tela o desenho se pareça com o Exemplo 1. Ele está aberto em toda a altura da tela e você não precisa rolar para vê-lo por completo, e você está feliz com isso. Este é o maior tamanho para a sua resolução, 1024 por 600. Os usuários com resoluções de tela de 1280 por 720 (2) e 1366 por 738 (3) também não têm do que reclamar. Mas observe o que acontece com usuários com resoluções de tela mais altas - 1920 por 1080 (4) e 1920 por 1200 (5). O desenho ocupa cada vez menos espaço na tela. E para esses usuários, você não fez o desenho por tempo suficiente!

E não é apenas o "espaço em branco" ao redor do desenho. Resolução mais alta nem sempre significa tela maior. Seu smartphone pode ter mais pixels em sua tela pequena do que seu computador! Só dê uma olhada:

1. Mesmo tamanho, resolução diferente
2. Tamanho diferente, mesma resolução

O que isto significa? Para outros observadores que veem seu trabalho, a tela inteira pode ser parecida com ... assim:

Mas o tamanho do seu desenho não é só isso. Quanto maior a resolução, mais pixels a tela terá. Em uma resolução pequena, um olho pode pegar 20 pixels, enquanto em uma grande, ele sozinho pode pegar 20.000 pixels! Imagine um monte de detalhes legais para criar em uma área tão grande!

Aqui está um truque legal para você: quando você desenha algo pequeno em alta resolução, não importa o quão desleixado fique, há uma chance de que ficará ótimo de propósito de longe. Tente!

Uma resolução mais alta permitirá que você aproxime até os menores detalhes.

2. A tela é muito grande

Isso significa que você deve sempre usar uma grande permissão para se dar mais liberdade? Em teoria, sim. Na prática, isso nem sempre é necessário e às vezes até impossível.

Quanto mais alta a resolução, mais pixels estão contidos em um traço regular. E quanto mais pixels ele contém, mais difícil é para o seu computador processá-lo, especialmente quando se trata de níveis de pressão com quantidades variáveis ​​de tinta. E este é um argumento prático contra tal decisão - você precisa de um computador muito poderoso para se sentir confortável ao trabalhar com alta resolução.

O segundo argumento tem a ver com o fato de que grandes resoluções são necessárias para um trabalho altamente detalhado. Ao contrário da crença popular dos novatos, nem todo trabalho precisa ser detalhado. Mesmo se você quiser pintar de forma realista, pode ignorar com segurança a enorme quantidade de informações contidas na fotografia, porque o que vemos na vida não se parece em nada com uma fotografia.

Quando você usa mais resolução do que precisa, pode adicionar alguns detalhes aqui e ali, só porque você pode. E se você começar a fazer isso, não haverá mais volta. Existem muitos níveis de detalhe, mas um desenho específico deve corresponder apenas a um deles por vez. Se você quiser criar rapidamente um belo casaco, não gaste horas nos olhos e no nariz - isso fará com que todo o desenho pareça fragmentado e inacabado.

3. Tamanho final muito grande

Vamos fingir que você encontrou a solução perfeita para o seu trabalho. Não é muito grande nem muito pequeno, mas é perfeito para o nível de detalhe que você deseja. Mas ainda há espaço para mais um erro - essa resolução foi o seu tamanho de trabalho. Pode ter levado muitos pixels para chegar a esses pequenos detalhes nos olhos, mas esses detalhes também serão visíveis "de longe".

Por que deixá-los ver esses detalhes desagradáveis ​​...

… Se você pudesse apenas tornar visível o que está para ser visto?

Redimensione o arquivo antes de salvá-lo. Não vou lhe dizer qual é a resolução ideal, pois ela simplesmente não existe. A regra geral é que quanto mais detalhada uma imagem, menos detalhes serão perdidos quando exibida em alta resolução. Quanto mais um desenho se parecer com um esboço, melhor ficará em baixa resolução. Se você quiser saber mais sobre isso, veja qual resolução seus artistas favoritos estão usando ao postar seus trabalhos online.

E mais uma coisa: ao redimensionar uma imagem, verifique qual algoritmo de reamostragem funciona melhor para você. Alguns deles tornam a imagem mais nítida e você pode não querer.

2. Comece com um fundo branco

Talvez isso pareça trivial - o que há de errado com o fundo branco? Bem ... ele é neutro, certo? Parece uma folha de papel.

O problema é que não existem cores “neutras”. "Transparente" é a coisa mais próxima disso, mas é impossível desenhá-lo. Cor é cor. Quando duas cores aparecem, ocorre uma certa reação. Por exemplo, se for branco + cor A, a proporção seria “a cor A é escura”. Não importa o que você se proponha a fazer, você começará com uma cor escura só porque escolheu o fundo mais brilhante possível! Tudo parece escuro em comparação.

A mesma cor muda seu brilho relativo em cada plano de fundo

Na arte tradicional, usamos um fundo branco, pois é tecnicamente mais fácil colocar o escuro no claro do que o contrário. Mas, ao desenhar em um tablet, não há razão para isso! Na verdade, você pode até começar com um fundo preto, mas é tão ruim quanto um branco puro. Na prática, a cor mais “neutra” é 50% cinza (# 808080).

Porque? A cor de fundo transforma sua visão de outras cores. Em um fundo branco, as cores escuras aparecerão muito escuras e você as evitará. Em um fundo preto, o mesmo acontecerá, apenas com cores brilhantes. O resultado em ambos os casos será um contraste fraco, que você notará ao tentar alterar o fundo. Aqui está a prova:

Comecei este desenho com um fundo muito escuro e depois quis mudar para um mais claro e fiquei cego!

Artistas experientes podem começar com qualquer background que quiserem e tirar o máximo proveito disso, mas se você não se sentir confiante em seu conhecimento da teoria das cores, sempre comece com algo neutro - nem muito escuro ou muito claro.

3. Evitando contraste forte

Claro, às vezes sua percepção de claro e escuro pode ser distorcida pela baixa qualidade da tela. Se estiver usando um laptop, você deve ter notado como o contraste muda quando você olha para a tela de diferentes ângulos. Como você consegue um contraste que todos vejam bem, independentemente da tela?

Mesmo que você tenha uma boa tela, depois de um longo período de trabalho, sua percepção também não será perfeita. Se você mudar os tons gradualmente, passo a passo, o contraste pode parecer bom apenas porque é melhor do que cinco passos para trás. O assunto abaixo pode parecer muito bom ...

... até compará-lo a um objeto com contraste mais forte. E quem sabe, talvez se você comparasse o segundo com o terceiro, então seu contraste, como o percebemos, diminuiria automaticamente?

O Photoshop possui uma ferramenta para ajudar nessa situação. É chamado Níveis(Níveis) e este é na verdade um histograma - mostra quanto de cada cor está na imagem. Você pode abrir esta janela clicando em Imagem> Ajustes> Níveis(Imagem> Ajustes> Níveis) ou o atalho Control-L.

Como funciona? Dê uma olhada nestes quatro exemplos:

• Quase a mesma quantidade de tons de branco, preto e médio
• Preto e tons médios apenas
• Branco e tons médios apenas
• Apenas brancos e pretos, quase nenhum meio-tom

Você pode ler isso no histograma?

Você pode alterar os níveis puxando os controles deslizantes. Embora isso reduza o número total de tons, ajuda a colocá-los no lugar certo no histograma.

O histograma mostra-nos que o nosso assunto tem muitos meios-tons, mas também uma falta visível de áreas escuras e claras. Não importa o que vemos - é o que diz o nosso computador! Embora não haja uma receita perfeita para os níveis (depende da iluminação da cena), uma falta severa de áreas escuras e claras é um mau sinal.

Observe o que acontece se movermos os controles deslizantes para mais perto do centro!

O contraste mudou bem, mas a mistura foi prejudicada por causa disso, pois agora há menos meios-tons. Mas não é difícil consertar manualmente!

Existe uma maneira de usar os tons certos desde o início para que você não precise fazer isso? Sim, e de fato, você levará menos tempo do que o normal! A solução é usar menos tons - escuro, claro, médio e um pouco de preto e branco.

Para fazer isso na prática, antes de começar a desenhar, planeje a iluminação na esfera:

• Desenhe um círculo e preencha-o com a cor mais escura (o preto não é recomendado).
• Adicione um tom médio.
• Adicione a cor mais brilhante (o branco não é recomendado).
• Adicione um ou dois meios-tons entre eles.
• Adicione um pouco de branco e preto.

Veja todas essas partes no histograma? Quando os combinamos, é isso que acontece. Use esta esfera como um conjunto de amostras para o seu assunto, sombreando-o da mesma maneira - sombra mais escura, tom médio, luz mais brilhante, pontos mais escuros e realces mais brilhantes. E então tudo isso pode ser misturado!

E algo mais. Se você comparar essas duas cabeças novamente, uma com o contraste correto desde o início e a outra com o correto, verá a diferença. Portanto, aumentar o contraste não pode corrigir seu desenho se você usou as cores erradas inicialmente - cada material tem sua própria gama de tons. Por exemplo, a parte mais escura de uma superfície branca será muito mais brilhante do que a parte mais escura de uma superfície preta. Isso significa que você deve preparar o máximo de esferas possível, pois há muitos materiais em seu desenho.

Lembre-se: um objeto claro com uma sombra escura é tão errado quanto um objeto escuro com tons claros!

4. Usando pincéis muito complexos e traços muito grandes

Quando você compara pincéis tradicionais com pincéis do Photoshop, a diferença é tão grande que pode se surpreender que eles tenham os mesmos nomes. Afinal, com os pincéis clássicos, você só pode criar pinceladas mais ou menos caóticas, enquanto os pincéis no Photoshop criam uma obra de arte por si só.

E aqui está o ponto chave. Se eles criarem algo por conta própria, você não estará mais no controle. Artistas profissionais trabalham com golpes simples na maioria das vezes, apoiando-se periodicamente com golpes mais complexos. Usar pincéis complexos diariamente não só o deixará mais preguiçoso - também o impedirá de aprender como conseguir o efeito sozinho, já que não há essa necessidade!

No início da aventura de desenho do tablet, é natural tentar crescer o mais rápido possível. Você quer resultados aqui e agora. Pincéis personalizados são a resposta a essa pergunta. Se você quiser pele, aqui está uma escova de pele; se você quiser escamas - aqui está um pincel. Você não pode desenhar algo - baixe uma ferramenta que consiga.

Pincéis personalizados não são ruins e, na verdade, são muito úteis. O problema surge quando você os usa como base de suas "habilidades". Se você realmente perdeu tempo tentando descobrir como desenhar pelos rapidamente, perceberá que na verdade não consiste em fios de cabelo que precisam ser desenhados um de cada vez. Você entenderia que nossa visão de algo muitas vezes não coincide com a realidade. Você aprenderia como olhar e como criar o que vê, não o que pensa que vê.

Em vez disso, você desiste depois de passar meia hora desenhando cabelos e procura uma escova que faça isso por você. Você encontra, você está feliz, você está pronto para seguir em frente. É tão fácil que se torna um hábito e você para de aprender por completo - seria melhor baixar todos os chips, se pudesse.

Mas como os artistas superam isso? Eles não têm aquele grande conjunto de pincéis. Como eles desenham pelos? A resposta é simples - exatamente como você faria se não houvesse pincéis correspondentes. Se você quer melhorar, se você quer superar essa maldição de um iniciante, por enquanto, esqueça os pincéis complexos. Trabalhe com um conjunto simples como este e aprenda a tirar o melhor proveito dele. Não procure maneiras fáceis quando as coisas ficarem difíceis. Supere isso e você terá uma experiência inestimável, em vez de truques baratos.

Nenhuma escova de pêlo usada aqui

Golpes muito grandes

Outro erro comum com pincéis é usar pinceladas grandes. Isso, novamente, tem a ver com impaciência. A regra é que 80% do trabalho ocupe 20% do tempo despendido, o que significa que você precisa gastar 80% do tempo de trabalho completando o desenho. Se você criou o esboço, a base, as cores planas e o sombreamento simples em duas horas, ainda restam oito. Além disso, durante essas oito horas, você verá menos progresso do que nas duas primeiras! Isso soa desanimador?

Você pode ver isso claramente nas partes intermediárias do trabalho que os artistas às vezes mostram ao seu público. Os primeiros passos são enormes - algo é criado do nada. E então o processo fica mais lento. Você mal consegue ver a diferença entre as últimas etapas e, no entanto, essa pequena mudança pode ter demorado mais do que todas as anteriores!

Onde você estaria?

Esse é o problema. Quando o seu desenho quase concluído, você sente vontade de terminá-lo o mais rápido possível e olhar o resultado. Mas, neste ponto, de fato, segue-se começar! Lembro-me de um comentário sob a captura de tela do fluxo de trabalho: "Eu pararia na quarta etapa [de dez]." Essa é a diferença entre um iniciante e um profissional! Já a segunda parte da regra é a seguinte: estes últimos, lentos e imperceptíveis 20% do trabalho afetam 80% do efeito final.

A solução é simples. Você não deve acabar com traços grandes (a menos que esteja pintando para velocidade). Eles são apropriados no começo, naquela 20% das vezes. Use-os para esboçar formas, definir iluminação e adicionar grandes áreas de cor. Em seguida, reduza gradualmente o tamanho, amplie, limpe e adicione detalhes. Você verá que o trabalho chega ao fim quando trabalha com um pincel muito pequeno com um padrão muito alargado. Em geral, quanto mais áreas do desenho você tocar com o pincel (e quanto mais você as alterar, por exemplo, adicionando uma ligeira diferença no brilho ou matiz com um traço muito pequeno), mais perfeito ele aparecerá.

Essa regra tem um lado bom. Como 80% do trabalho não afeta realmente o efeito final, não há necessidade de se concentrar muito neles. Comece de forma rápida e fácil e guarde seus esforços para mais tarde. Lembre-se: nem todo desenho precisa ser concluído só porque você o iniciou. Abandonar algo em que você não acredita vai economizar quatro vezes mais tempo do que você já gastou!

5. Usando muitas cores

Não existem tantas cores “prontas” na arte tradicional. Os artistas precisam aprender a misturar essas cores para obter o efeito desejado. Esse inconveniente é realmente maravilhoso. Eles não têm escolha e precisam dominar a teoria das cores. Como um artista novato em tablets, você tem acesso a todas as cores em toda a sua glória. E isso é uma maldição!

Não entendemos as cores intuitivamente - não há necessidade disso em nossa vida diária. Mas, como artista, você deve mudar completamente sua perspectiva. Você não pode mais confiar na intuição, pois ela não funciona bem neste tópico. Você precisa parar de pensar em cores da maneira como está acostumado e entender os conceitos de matiz, saturação, brilho e leveza.

As cores não existem por si mesmas. Eles são baseados em relacionamentos. Por exemplo, se você deseja tornar uma cor mais brilhante, pode aumentar o brilho ou diminuir o brilho do plano de fundo. O vermelho, sendo uma cor quente, torna-se quente ou frio dependendo da cor vizinha. Até a saturação muda devido aos relacionamentos!

Até o tom da cor pode mudar dependendo do ambiente. E esse conhecimento é muito importante para o desenho, e não apenas para o design, como você pode imaginar!

O iniciante, que não sabe de tudo isso, preenche seu desenho com um conjunto de cores aleatórias. Eles escolhem algum então azul algum verdes, sem saber que escolhem entre milhares de outras cores com matizes esverdeados e azulados, e que todas têm uma certa força!

É assim que um iniciante vê as cores:

1. Azul
2. Azul sujo
3. cinza
4. Preto

Mas ... por que precisamos de tantas cores se elas são inúteis? A resposta é que eles não são inúteis. Você só precisa entender de onde vêm e o que significam. Vamos dar uma olhada em um exemplo de combinação de cores profissional:

1. Azul dessaturado
2. Azul saturado
3. Azul claro
4. Azul escuro

Parece muito complicado? Pode ser, mas isso não é motivo para ignorar esse aspecto! Se isso for muito difícil, pare na escala de cinza por um tempo. Compreenda a iluminação, o sombreamento e a combinação e você terá uma boa base para o futuro. Além do mais, as cores (ou melhor, os tons das cores) são a cereja do bolo chamada de sua arte. Eles podem torná-lo mais doce, mas não podem ser sua base. Nenhuma quantidade de glacê fará um bom bolo de um bolo ruim!

6. Escolha de cores direto da fonte

É muito difícil não sucumbir a essa tentação, tão difícil que você tem vontade de chorar. Isso é familiar para mim. No entanto, se você realmente quiser aprender a desenhar em um tablet, não deveria usar ferramenta Conta-gotas(Conta-gotas) para selecionar uma cor da fonte. Por que isso é tão importante?

Iniciantes costumam usar um laranja / rosa dessaturado como sua cor de pele. Isso parece óbvio, mas o efeito está longe de ser natural. No entanto, se você usar a fonte ... uma história completamente diferente! Quase cada pixel tem sua própria cor, não apenas rosa - você pode encontrar vermelhos, amarelos, laranjas e até roxos, verdes e azuis frios. A saturação e o brilho podem mudar o tempo todo, mas o efeito final não parece o caos.

Quando você escolhe cores de uma fonte, seu desenho ganha nova vida. O problema é que não é muito diferente da cópia direta. Como resultado da cópia, você obtém linhas que você mesmo não repetiria e, quando tira cores da origem, obtém belos tons que você mesmo não poderia ter captado. O efeito é impressionante, mas não é o seu mérito.

Existe algo mais. Esta combinação de cores retarda o seu progresso. Você pode “comprar” um conjunto de cores em vez de aprender como criá-las você mesmo. Você tem uma roda de cores com todos os controles deslizantes; cada cor que você escolher pode ser repetida por você mesmo, sem instruções. Mas você ainda decide usar os que já foram criados - é rápido e eficaz, mas sabe o que é ainda mais rápido e eficiente? Para fotografar.

Para se tornar um dia independente da fonte, você precisa aprender a ver as cores. Olhe para qualquer objeto perto de você - qual é seu tom de cor, brilho, saturação? Incrivelmente difícil de dizer, não é? Mas se você continuar escolhendo cores com o conta-gotas, nunca aprenderá a fazer isso. Você não pode começar uma corrida com pneus de treino ainda no carro.

Todos esses materiais foram retirados por mim da fonte, mas sem um conta-gotas. Como um iniciante, comece com coisas simples - quanto menos cores, melhor.

7. Adicionando cores à escala de cinza com brilho incorreto

Eu desenhei essa foto em 2011. É, claro, uma foto bonita e gentil, e ainda gosto dela. Lembro-me de pintá-lo em tons de cinza e, em seguida, adicionar cores usando talvez alguns modos de mesclagem ( Cor, Multiplicar, Sobrepor) (Cor, Multiplicar, Sobrepor). Também me lembro que tive um problema desagradável - como faço para obter o amarelo correto pintando em tons de cinza?

Não preservei o original, mas é assim que o desenho provavelmente parecia em tons de cinza. Observe que as áreas amarelas e verdes são igualmente escuras. Na realidade, este não é o caso!

Quando eu era um novato como você, pensava que a luz torna todas as cores mais claras da mesma forma e as sombras tornam todas as cores igualmente escuras. É por isso que o desenho em tons de cinza parecia tão atraente. Eu poderia me concentrar no sombreamento e adicionar cores mais tarde. Infelizmente, esse truque não funcionou, e entender por que demorou tanto (principalmente porque eu não estava me esforçando) para descobrir o porquê.

A resposta simples é que cores diferentes têm brilhos diferentes, que independem da iluminação. Quando você ignora isso, você acaba com cores turvas. As cores que você adiciona diretamente a um desenho em tons de cinza não têm um componente importante.

Ambas as cabeças têm as mesmas cores adicionadas usando o modo de cores. Observe que não é a camada com a cor que é importante, mas o que está abaixo dela.

8. Sombreamento com ferramentas Dodge e Burn

Instrumentos desviar(Clarificador) e Queimar(Dimmer) quase sempre são os favoritos dos iniciantes. Essas ferramentas estão alinhadas com a crença de que o Photoshop é um “programa de pintura”. Você só precisa selecionar as cores primárias e, em seguida, as áreas que deseja sombrear. O resto é controlado por algoritmos complexos, e não por você, o que é ótimo - você não saberia o que fazer de qualquer maneira.

No entanto, isso não é fácil. Essas ferramentas não são totalmente inúteis, mas se você for um iniciante, é melhor ficar longe delas. Estas não são "ferramentas de sombreamento". A ferramenta Dodge não é igual a "adicionar luz" e a ferramenta Burn não é igual a "adicionar sombra". O problema é que eles correspondem tão bem à visão do iniciante de sombreamento que é muito difícil evitar a tentação.

O problema não está nas ferramentas, mas na incompreensão do próprio sombreamento. Os iniciantes geralmente presumem que os objetos têm uma determinada cor e que a cor se torna mais escura na sombra e mais brilhante na luz. Não é tão fácil. Pode funcionar com sombreamento de células ou ao desenhar caricaturas, mas mesmo assim é apenas um pequeno truque.

Se "parece" funcionar, por que não usá-lo?

• Esta é outra técnica que inibe seu progresso. Quando você o usa, você nem percebe o que está perdendo. O sombreamento é uma questão complicada, e você a limita à regra mais claro-escuro porque é mais fácil. Photoshop precisava trabalhar para você e não ao invés de tu. Não deixe que isso o impeça de aprender.
• Isso torna o objeto plano. Não importa quantas texturas você adicione depois, ele funciona exatamente como um pincel grande, o que significa que você pode começar com ele, mas definitivamente não terminar dessa forma.
• Isso distorce as cores; eles devem depender do ambiente (luz direta, luz ambiente), mas nem o Dodge nem o Dimmer têm qualquer ideia do plano de fundo que você está usando. Eles sombreiam tudo da mesma forma!

Há uma diferença de ano entre essas fotos. O primeiro eu sombrei com o Brightener e Burner, e o segundo apenas com o entendimento da cor.

Sombreado com branco e preto

Uma extensão dessa técnica é o sombreamento com branco para realces e preto para sombras. Isso se deve à crença de que cada cor começa no preto (na sombra) e termina no branco (na luz). Embora isso possa ser verdade para fotografias sub ou superexpostas, não deve ser uma regra que se aplique à pintura.

Todos nós procuramos regras simples, algo fácil de lembrar e usar. Mas isso não significa que devemos inventar regras simples que nada têm a ver com a realidade, como: "adicione branco para torná-lo mais claro e adicione preto para torná-lo mais escuro." Só se aplica a designs em tons de cinza!

Sombreamento monótono

Depois de lidar com o problema anterior, você pode enfrentar outro. Vamos imaginar que você escolheu o laranja como a cor principal do seu personagem. Você também decidiu que a fonte de luz seria amarela e a luz ambiente seria azul (céu). De acordo com isso, você muda o matiz da cor de base para amarelo nos realces e azul nas sombras, só isso. Claro, o sombreamento ficará muito mais interessante se você usar preto e branco, mas isso ainda é um truque e não o fato de que vai levar ao resultado desejado.

Por que isso é um truque? Ao escolher apenas três cores primárias para seu personagem, você o coloca automaticamente em um ambiente artificial onde tudo reflete a cor de forma 100% previsível.

Na realidade, a luz está constantemente refletindo em tudo ao seu redor, incluindo as “colinas e vales” do seu objeto 3D. Conseqüentemente, o sombreamento raramente pode ser limitado a algumas cores. A cor azul do céu pode fazer com que algumas sombras no objeto pareçam azuis, mas em outros lugares escuros elas podem parecer esverdeadas devido à luz refletida na grama. Além disso, algumas sombras podem até ser brilhantes e saturadas devido à luz que passou Através dos obstáculo na "sombra".

Se você tomar nota disso e decidir usar fontes de luz indireta para tornar o sombreamento mais variado, você terá que pintar mais deliberadamente - o que é ótimo! Evite usar um pincel grande aqui, pois ele irá misturar cores e você irá perdê-las como resultado. E um pincel pequeno significa que você está criando textura na hora!

9. Misturando com uma escova macia

Existem dois métodos principais que os iniciantes usam para misturar tons, e ambos são projetados para criar um efeito rápido:

1. Misturando com um pincel macio
2. Ferramentas de mistura Mancha / Desfoque(Dedo / desfoque)

Como já aprendemos, efeito rápido geralmente significa falta de controle. Nesse caso, a mesclagem com traços grandes torna o objeto mais plano e anormalmente liso. Mesmo se você adicionar uma textura de foto depois, ela não ocultará o efeito "plástico". Novamente, esse método só é bom para o estágio inicial.

Se você quiser uma textura fria e invisível (o que é bom para quase todos os materiais naturais), use um pincel mais duro que controle a quantidade de tinta usando a pressão da caneta (quanto mais forte você pressiona, mais denso será o traço).

Esse tipo de pincel permite controlar a quantidade de cor necessária.

Graças a esta propriedade, você não precisa misturar a borda entre as duas cores. Você apenas começa com uma cor de base e depois levemente cubra-o com outros. Em seguida, você pode adicionar outra camada da mesma cor, tornando-a mais densa.

Se você quiser deixar tudo mais suave, basta escolher uma cor em algum lugar no meio e pincelar levemente ao redor da borda entre as cores.

Use um pincel texturizado (bordas duras) para aprimorar a textura.

De acordo com a regra 80-20, não se preocupe em mixar inicialmente. Use um pincel grande e afie as bordas, criando uma espécie de sombreamento exagerado.

Posteriormente, você pode usar um pincel texturizado menor para misturar as bordas das cores. Sem ferramenta mancha(Dedo), sem escova macia, apenas uma ferramenta Conta-gotas(Conta-gotas) e seu pincel duro com quantidade variável de tinta. Lembre-se: a mistura depende da textura da superfície, então você não pode usar o mesmo tipo de mistura para todos os materiais!

10. Usando texturas 2D para formas 3D

A textura da foto para um iniciante é a medida mais extrema, quando o objeto está teoricamente acabado, pintado e sombreado, mas ainda parece um brinquedo de plástico. No entanto, a própria textura só pode piorar as coisas.

Vamos imaginar que queremos adicionar textura a este gato grande.

O objeto deve ser sombreado antes de adicionarmos a textura. A sutileza é que não precisa ser um sombreamento completo. O método de mesclagem depende da textura - se você mesclar sem pensar na textura, obterá um tipo de mesclagem sem textura (superfície lisa).

Você pode baixar uma textura da Internet ou usar um padrão do Photoshop - há muitos conjuntos pré-instalados. Este é o meu padrão favorito para fazer escalas de textura - malha de janela invertida ( nota do tradutor: estamos falando sobre a textura de uma porta com malha, que nos americanos nas casas geralmente fica na frente da porta da frente, a textura é equivalente a uma rede anti-mosquito).

Se você alterar o modo de mesclagem de textura para Sobreposição(Sobreposição), você verá como funciona com o sombreamento. Observe, no entanto, que algumas partes são mais brilhantes. Pode funcionar bem para você se você não tiver feito um trabalho muito bom com o sombreamento, mas este é outro exemplo de como perder o controle da situação. Na maioria dos casos, não queremos que a textura crie seu próprio sombreamento. Embora o modo Overlay não seja a melhor solução, ele permite que você veja como a textura fica no objeto.

Agora, a parte mais importante que sempre é esquecida. Se um objeto precisa ser tridimensional, ele não pode ser bem coberto por uma textura bidimensional. Precisamos mudar sua forma, de acordo com a figura em que está. Existem três maneiras principais de fazer isso - experimente e encontrará a sua favorita:

• Ferramenta Sem custos Transformar(Free Transform) (Control-T) no modo Urdidura(Deformação)
• Filtro> Liquificar(Filtro> Plástico)
• Editar> Puppet Warp(Editando> Distorção de fantoches)

Para esferas, é melhor usar Filtro> Distorcer> Esferizar(Filtro> Distorcer> Esferizar)

Antes de usar a urdidura de fantoches

Depois de usar a urdidura de fantoches

O modo Overlay ilumina as partes da camada que são cobertas por áreas brancas da textura. Poderíamos usar o modo em vez Multiplicar(Multiplicação) (torna as áreas brancas mais transparentes), mas tornaria os tons de cinza mais escuros do que o necessário. Existe outra ferramenta para ajustar a transparência da textura.

Clique duas vezes na camada e brinque com os controles deslizantes Misturar se(Sobrepor se). Em suma, com eles você pode ajustar a opacidade do branco e do preto.

Segure Alt para "quebrar" o controle deslizante para um efeito mais suave

Precisamos entender o que é textura. Este não é um "padrão áspero" colocado diretamente em um objeto. Na verdade, essa é a irregularidade da superfície. Quando a luz atinge uma superfície lisa, ela é refletida como um todo. Se a superfície é áspera, por exemplo, consiste em pequenas saliências e depressões, a luz que incide sobre ela criará muitas sombras minúsculas - esta é a textura que vemos.

Mais uma conclusão pode ser tirada disso. Se a luz cria uma textura visível, Sem luz não pode haver textura. E o que é sombra senão falta de luz? Portanto, precisamos reduzir a visibilidade da textura em áreas escuras (se houver luz refletida) ou removê-la completamente (sem luz - sem textura). Você pode usar uma máscara de camada para isso ou brincar com os controles deslizantes. Misturar se(Sobrepor se) (segunda linha). Lembre-se de que as indentações na textura são, na verdade, sombras, portanto, não devem ser mais escuras do que a área de sombra “normal”.

Mapear uma textura será rápido e fácil, uma vez que você descubra o que fazer depois de selecioná-la. Porém, este não é o fim. Todas as texturas são diferentes e, se algumas delas parecerem ótimas na sobreposição direta, a maioria ainda precisa ser trabalhada.

Aqui, novamente, a regra 80-20 se aplica. Adicionar textura é fácil, mas leva tempo para torná-la bonita. No meu exemplo, misturei as bordas do sombreamento com escalas separadas. Coisas como essas consomem muito tempo, mas mudam. tudo!

Na primeira esfera do blend, a textura está no modo Overlay com baixa transparência, de forma que não fica muito perceptível; mesmo com o segundo, mas com distorção aplicada. Compare isso com o último, que aplicou uma configuração de Mistura Se personalizada e corrigiu manualmente a mistura.

Conclusão

Como vimos, a maioria dos problemas para os novatos vem do desejo de alcançar grandes resultados, sem esforço e o mais rápido possível. Portanto, não é falta de habilidade - ao contrário, é sobre a crença de que o Photoshop é um programa de criação de arte. Isso leva a uma busca constante por ferramentas e truques, ao invés de colocar mais esforço e tentar entender e resolver o problema.

Você não pode se tornar um artista digital da noite para o dia só porque comprou editores de imagem profissionais. O Photoshop é apenas uma ferramenta, certamente mais conveniente de usar do que pincéis e tintas, mas ainda é uma ferramenta. Ele pode fazer mais do que você deseja! Se você deseja obter o máximo dele, trate-o como uma tela digital para tintas digitais. Esqueça todas aquelas ferramentas sofisticadas, filtros, pincéis ou modos de mistura. Basta desenhar como faria no papel.

Aprenda teoria da cor, perspectiva, anatomia - todas essas coisas que artistas “comuns” precisam entender. Com o tempo, você descobrirá como usar as ferramentas do Photoshop para fazer as mesmas coisas de maneira mais fácil e rápida - mas não corra na frente do trem tentando criar efeitos interessantes sem entendê-los completamente. Paciência é a chave!

Um tablet gráfico é uma ferramenta criativa poderosa. É adequado para artistas experientes que desejam deixar de usar materiais tradicionais para criar obras de arte no computador, bem como para aqueles que estão prestes a aprender a desenhar. As vantagens óbvias das obras digitais são a segurança, bem como a ausência de gastos constantes com ferramentas de arte caras, materiais constantemente consumidos. Para um iniciante, no entanto, desenhar em um tablet pode não ser tão fácil no início.

O processo de trabalho com o dispositivo

Qualquer modelo vem com um cabo USB, que é necessário para conectá-lo a um computador. Além disso, outros acessórios podem ser incluídos.

Tipos de tablets gráficos

Existem dois tipos mais usados ​​por artistas:

• tablet desktop
• visor interativo com caneta

Vamos considerar as vantagens e desvantagens de ambas as opções.

Tablet Desktop Graphics

O dispositivo de mesa é uma moldura de plástico com uma área de trabalho em torno da qual elementos adicionais (por exemplo, botões ou um indicador luminoso) podem ser colocados. O tamanho da área de trabalho varia, mas geralmente corresponde ao tamanho padrão da folha de papel. Os mais comuns são A4 e A5, que podem ser convenientemente colocados na área de trabalho em frente ao teclado. No entanto, às vezes existem modelos de tamanhos A3 e A6. O conjunto vem com uma caneta stylus, que por sua vez, vem equipada com um ou mais botões, além de uma “borracha” na parte superior.

Tipo de área de trabalho. A imagem é exibida na tela do computador

Esta opção é adequada para iniciantes - aqueles que querem apenas aprender a desenhar em uma mesa digitalizadora. É barato e também vem em muitos modelos que variam em tamanho e conjunto de recursos. No entanto, as agulhas adequadas para esses modelos têm uma ponta incorporada que se desgasta com o tempo. Normalmente, um conjunto de pontas sobressalentes é fornecido com a caneta, mas se você usar o dispositivo por muito tempo, pode ser necessário comprar cabos adicionais separadamente.

Visor interativo com caneta

Esse tipo é visualmente semelhante a uma tela com uma caneta. Os visores com caneta são conectados ao computador, exibindo tudo o que acontece na tela do monitor. Eles geralmente vêm com uma caneta e um suporte. Ao conectar esse tablet, o artista pode desenhar diretamente em sua tela.

Visor interativo com caneta da Wacom. A imagem é trazida à superfície diretamente.

Esses dispositivos são adequados para a criação de trabalhos detalhados de alta qualidade, mas seu custo é muito mais alto, então você precisa ter cuidado ao escolher esta opção. Além disso, costumam ser bastante volumosos, por isso, antes de comprar, certifique-se de que haja espaço suficiente em sua área de trabalho para marcar a nova compra e trabalhar nela com facilidade.

Importante: ao escolher uma mesa digitalizadora, você não deve se guiar pelo preço ou popularidade do modelo, mas pelo nível de desenvolvimento de sua habilidade artística e de suas necessidades.

Programas de desenho

Qualquer pessoa que queira aprender a desenhar em uma mesa digitalizadora precisa de um software de alta qualidade e fácil de usar.

A escolha mais popular é o clássico Adobe Photoshop. O programa possui várias versões para sistemas operacionais, e você pode encontrar tutoriais de desenho na rede. No entanto, esta opção é adequada apenas para quem tem um computador suficientemente potente - mesmo a versão light do programa consome muitos recursos, carregando o dispositivo pesadamente. O Photoshop é útil para quem deseja usar ferramentas profissionais de processamento de imagem em seu trabalho.

Carregando tela e interface do Adobe Photoshop CS6

Outro programa popular entre os artistas digitais é o Easy Paint Tool SAI (e sua versão ampliada SAI 2). Ao contrário do Photoshop, o AIS é extremamente fácil de entender e abre em poucos segundos. Muitos artistas preferem fazer esboços rápidos. Ele também atrairá aqueles cujo estilo é minimalista e não requer ferramentas complexas.

Ambos os programas podem trabalhar com uma imagem raster ou vetorial, suportam a função de pressionar a caneta e também têm a capacidade de personalizar os pincéis em detalhes, o que será útil ao desenhar. Vale a pena cuidar para encontrar um programa adequado, bem como configurá-lo imediatamente após a compra de um novo dispositivo - isso o ajudará a se acostumar rapidamente e a começar a ser criativo.

Se nenhum desses programas for conveniente para você, não se desespere, pois existem muitos outros editores de imagem - por exemplo, projetados para trabalhos específicos como a criação de quadrinhos.

Dica útil: ao desenhar em qualquer um dos programas, será útil aprender suas teclas de atalho ou até mesmo definir as suas próprias. Você também pode atribuir funções específicas aos botões da caneta e do tablet.

Configurações da mesa gráfica

Para tornar seu trabalho mais produtivo, vale a pena configurar seu dispositivo antes de começar a desenhar. A maioria dos tablets - por exemplo, produtos da conhecida empresa Wacom - vem com um disco de driver, junto com instruções para instalá-los. Caso esses itens não tenham sido encontrados na caixa, ambos podem ser encontrados e baixados online.

A interface do programa Wacom Desktop Center, por meio do qual os produtos Wacom são configurados

Uma das etapas importantes na preparação para desenhar em uma mesa digitalizadora é adaptar o dispositivo com base na mão com que você está desenhando. Ao instalar drivers para o dispositivo, o programa solicitará que você escolha se é destro ou canhoto, mas é melhor preparar um local de trabalho com antecedência para colocar o dispositivo nele.

Acessórios

O tablet gráfico pode ser usado como padrão, mas acessórios adicionais podem ser adquiridos:

• A luva do tablet é uma versão da luva normal feita de um material deslizante fino, mas cobre apenas dois dedos - o dedo mínimo e o anular. Impede o contato da pele da mão com a superfície de trabalho. Isso mantém a tela ou a superfície de trabalho limpa enquanto você trabalha. Muitos artistas preferem adquirir luvas especializadas e usá-las durante seu trabalho. Porém, há quem faça luvas por conta própria.
• A caneta para o tablet é sempre fornecida na caixa junto com o próprio dispositivo e tem aparência e configurações diferentes dependendo do modelo. Mas algumas canetas são dispositivos autônomos.

Canetas suportadas pelo Autodesk SketchBook. Imagem retirada do site oficial.

Muitos programas de arte populares para dispositivos móveis (por exemplo, Autodesk SketchBook, Tayasui Sketches) suportam o uso de uma caneta da Wacom e outros. Esse recurso será especialmente útil para aqueles que já possuem um tablet normal - combinando-o com uma caneta, qualquer pessoa que desenhe pode obter seu próprio análogo de um monitor interativo com caneta.

Artistas modernos geralmente preferem desenhar com tablets. Este método tem muitas vantagens sobre o analógico. É muito mais fácil corrigir o desenho, não há necessidade de se preocupar em digitalizar a imagem, para um esboço gráfico e para uma paisagem pitoresca e complexa, você precisa da mesma ferramenta.

Os artistas profissionais irão, é claro, escolher um bom e caro tablet gráfico que se conecta a um computador ou um poderoso dispositivo faça você mesmo de 24 polegadas. Mas se você quiser desenhar para si mesmo, ter menos gadgets ou apenas experimentar, você pode se virar com um tablet normal.

Posso desenhar em um tablet normal

Qualquer tablet é adequado para desenhar nele. Claro, trabalho complexo será difícil de fazer, mas para diagramas e esboços do tablet será o suficiente "precipitado". Também é muito conveniente desenhar esboços e esboços rápidos. Uma ideia veio à mente - imediatamente pegue o tablet e desenhe. E não importa onde você esteja: no local de trabalho, em casa, em um café ou em um parque. O tablet é conveniente e sempre à mão.

AnjelikaGr /

Tudo que você precisa para desenhar é um software e uma caneta.

Para uma mesa gráfica, você precisa do Photoshop ou outro editor gráfico e basta instalar o programa necessário em seu computador.

Vários tutoriais em vídeo o ajudarão a se familiarizar com o desenho. Com um tablet comum, tudo é muito mais interessante.

Como desenhar em um tablet: programas e aplicativos

Você terá que baixar aplicativos para qualquer tablet. Eles podem ser muito condicionalmente divididos em duas categorias.

• A primeira categoria são programas de esboço simples com um conjunto limitado de pincéis e, como regra, uma camada. Eles são baratos ou gratuitos.
• O segundo grupo inclui, por assim dizer, versões simplificadas e limitadas do Photoshop. Também existem ajustes para a pressão e opacidade do pincel e das camadas.